Voilà ce que ça donne, surprenant!

Analog Vinyl Sampling from Ishac Bertran on Vimeo.

Je me suis alors demandé ce qu’il serait possible de faire sois-même pour améliorer son home studio sans se ruiner.

Voilà deux petits trucs pour améliorer son hume studio:

1) Un classique: L’isolation.

Pour ceux qui ont déjà une cabine pour les enregistrements ou une pièce dédiée à leur Home Studio, un petit truc qui ne coûte pas très cher est d’isoler ses murs avec des boites d’œufs, de la mousse en nid d’abeille ou du liège sur les murs, les plafonds et les portes. Un classique…

C’est pas super glamour, je vous l’accorde, mais c’est très efficace!

2)  Les instruments:

Il y a tout un tas d’instruments que l’on peux trouver vraiment à bas prix dans les brocantes et autres vides greniers ou se fabriquer.

Deux exemples:

Avec un gobelet McDo remplis de pièces de centimes on peut faire une maracasse.
Ou encore récupérer deux bouts de bois que l’on va poncer au papier de verre pour retirer l’écorce et toute écharde, égaliser et laquer pour en faire des claves.
Coût: quelques euros…

Si vous avez d’autres trucs « home made » et pas cher pour améliorer un home studio, n’hésitez pas!

A quoi ça sert, laquelle choisir, quelles sont les caractéristiques indispensables etc… autant de questions qui m’en éloignaiant jusqu’à maintenant.

Il n’empêche que je me tâte de plus en plus à chopper une carte son externe pour booster un peu les son et compléter la configuration du Mac.

J’ai visiblement besoin de 2 entrées (la table de mixage/platine et éventuellement un instrument) et en sortie je pense que 2 suffisent (4 seraient top)

Mais je me pose la question à savoir quels sont les intérêts significatifs d’une carte son externe avec un iMac et s’il y a de vrais avantages, laquelle choisir pour un budget de 200 euros ?

En faite voilà, ma question est une carte son va-t-elle vraiment changer les choses?

Bref, si vous vous y connaissez en carte son externe, je suis preneur d’info !

En fait Logic 9 intègre un correcteur de ce type. Pour le trouver, mettez vous sur la piste Audio que vous souhaitez « corriger », cliquez sur une case « Insertions » vide dans le menu à gauche et allez jusqu’à « Pitch », glissez sur « Pitch Correction » et enfin sur « Stereo« .

Le plug-in s’ouvre, l’Auto Tune est sous vos yeux, à vous de jouer !

BEATMAKER CONTEST

Flex Time est une option qui permet de « jouer » ou plutôt de modifier la synchronisation et le tempo de votre enregistrement. En d’autres terme, cela permet d’accélérer ou de ralentir tout ou partie d’un son.

Pour ce faire, rien de plus simple. Sélectionnez la piste et le sample sur lequel vous souhaitez appliquer le Flex Time puis cliquez sur le petit bouton « Flex » en haut à gauche dans votre fenêtre Logic.

Une fois que vous avez cliqué sur Flex un bouton « désactivé » apparaît sous le nom de votre piste. Cliquez dessus. Si vous êtes sur un sample orchestrale harmonique par exemple, choisissez « Polyphonique » (combinaison de plusieurs voix indépendantes, pourtant liées les unes aux autres par les lois de l’harmonie).

Votre sample va être automatiquement découpé par tranches sonores. (il existe aussi l’option rythmique et monophonique). Voilà ce qui apparaît:

Maintenant vous n’avez plus qu’à poser quelques locators aux endroits souhaitez sur votre sample et de les déplacer soit en étirant la tranche du sample choisi, soit en la rétrécissant.

Lorsque vous l’étirez, vous la ralentissez, elle devient orange. Lorsque vous la rétrécissez, elle s’accélère et devient verte. Cf. la photo ci-dessous.

À vous maintenant de tripoter votre son pour obtenir ce que vous voulez. Accélérer une voix, ralentir une rythmique batterie etc…

La manipulation est ultra rapide et d’une simplicité enfantine, c’est l’une des meilleurs options de Logic Studio 9 qui manquait terriblement dans les versions précédentes, plaçant à mon humble avis ce logiciel de son sur la première place du podium au regard de son prix.

Ce qui amène un peu n’importe qui à utiliser n’importe quel outil pour faire un peu n’importe quoi…
Il n’y a pas si longtemps que ça, créer un beat néssécitait des machines souvent couteuses, que l’on ne pouvait pas se payer comme ça, on louait donc un studio rassemblant l’ensemble des instruments et machines nécessaires à sa création. Location souvent pas donnée…
(pour ceux qui ont déjà mis les pieds dans un véritable studio d’enregistrement, vous serez bien d’accord qu’un home-studiste, n’aura jamais ce qu’un vrai studio propose.)

Cela à un triple impact.

1)    L’émergence de tout un tas de pseudo-musicien, qui avec un clavier d’ordinateur, une souris et un clavier maître pour les plus fournis, tricotent des instrus. Non pas que le fait que l’on puisse s’amuser avec un logiciel de musique et un clavier soient un mal en soit, loin de là au contraire. En revanche, ce qui me gêne un peu plus c’est l’affichage de ce bidouillage (au travers d’internet par exemple) comme un état de fait devenu presque une référence.

2)    La perte d’un savoir faire, de la performance musicale, du travail de l’instrument etc… Ce qui croise quelque part le point numéro 1. Pourquoi se casser la tête à écouter des disques, rechercher des sons, sampler un pied de batterie, jouer un accord de guitare ou aller enregistrer des oiseaux qui chantent alors que tout ça se trouvent sur internet en téléchargement au format MP3?
Où est passer le plaisir de jouer d’un instrument, la joie d’entendre de vraies cordes vibrer, la reconnaissance du travail du musicien, voir du virtuose qui joue du violon comme personne? Ne serait-ce pas là, une des explication de l’image et du mépris  que certains ont envers le Beatmaking?

Il y a de toute évidence une perte de la qualité dû à ces technologies qui offrent l’illusion de pouvoir recréer un univers (artificel) qui n’arrive pas à la cheville de la sonorité, de la créativité et de la réalisation de ce que peut faire un vrai musicien avec son instrument.

3)    Une baisse de la qualité musicale accompagné d’un manque cruel de recherche et de créativité au bénéfice de la technologie. Le résultat des deux premiers points entraîne directement, une baisse de la qualité musicale (on ne me fera jamais croire qu’un VST aura le même son que l’instrument) et une tendance vers la facilité tirant plus vers le bas que vers le haut la recherche créative.

Attention, je ne dis pas que l’informatique est la bête noire de la musique, je dis qu’à vouloir tout faire via un ordinateur pour des raisons de coûts, de simplicité technique etc… on fait plus d’informatique (de pomme c) que de musique (de clefs de sol) et que le résultat est bien souvent en dessous de ce que pourrait donner de vrais instruments. Pour moi, l’ordinateur, élément aujourd’hui incontournable dans la musique, ne doit intervenir qu’en support. Pour l’enregistrement, les arrangements, le mastering. Mais pas pour le processus de création.(à l’exception de la musique électronique dont l’ordinateur est l’outil principal)

Et c’est à mon sens l’un des problèmes majeur du Beatmaking aujourd’hui. Il y a eu en 10 ans une telle démocratisation rendant tellement accessible à tous la possibilité de faire quelque chose aussi médiocre soit-elle que la valeur initiale du Beatmaking c’est complètement dévaluée au détriment de ceux de l’époque ou de ceux qui encore aujourd’hui s’accrochent aux « valeurs » de références.

Alors certains parleront d’évolution, très bien, mais l’évolution ne pourrait-elle pas se faire en faveur de quelque chose plutôt qu’au détriment de la qualité?
Très franchement, je ne vois pas comment on peux dire que l’on fait de la musique lorsque l’on passe son temps à cliquer avec sa souris sur un logiciel pour faire apparaître un trait qui reproduit un son ou à pianoter sur son clavier d’ordinateur.

Perso, je n’utilise l’informatique qu’en fin de parcours. J’ai deux instruments « fétiches », une guitare et une MPC sur laquelle je fais presque tout, (j’aimerais bien savoir jouer du piano que pour l’instant je ne fais que frôler), mais voilà, la musique se ressents, s’apprend, se joue, mais ne se fait surtout pas derrière un ordinateur…

Il existe un bon nombre de format numérique représentant une source sonore (musique, bruit, voix…) du .WAV au MP3 en passant par le .WMA. Mais qu’est ce qui les différencient ?

Ces différents formats sont classés en 3 catégories principales:

1) Sans compression de données, comme WAV, BWF, AIFF, AU, RAW, PCM

2) Compressé mais sans pertes audibles de données à la décompression, comme FLAC, Monkey’s Audio (.APE), WavPack (.WV), Shorten, (Tom’s lossless Audio Kompressor (.TAK), (.TTA), ATRAC Advanced Lossless, Apple Lossless et Windows Media Audio Lossless (WMA Lossless).

3) Compressé avec pertes, comme MP3, Vorbis, Musepack, AAC, ATRAC et Windows Media Audio (WMA), etc.

Sont donc à bannir d’office l’ensemble des formats compressés avec pertes comme le AAC, WMA et bien sûr MP3 (le MP3 est un format compressé avec pertes puisque sont supprimés lors de la compression les aigues et les graves les plus hauts et les plus bas, à priori inaudibles)

Privilégié le WAV, un peu plus lourd (normal puisque plus d’informations) ou le AIFF qui se trouve aussi sur le web, mais pas le MP3.

Je sais bien que ce format est très facile d’accès avec le téléchargement (le plus répandu), qu’il est bien moins onéreux que le vinyle et prend beaucoup moins de place mais si vous commencez avec une source sonore de qualité médiocre, que vous la faites passer dans des tuyaux, mettez des effets par-dessus, vous risquez d’être déçu…

Donc pour un meilleur résultat, optez pour une source de qualité .

Après la Maschine de Native Instrument, Akai répond par son APC40 puis l’APC20.

Contrôleur pour Abelton, cette nouvelle bestiole veut de toute évidence faire trembler Maschine, ou du moins ne pas laisser Native Instrument seul sur le marché des Bundle Hard+Soft optimisés. (bien qu’il existe déjà LaunchPad de Novation pour Abelton)

Si jusqu’à maintenant on prenait un MPD24 que l’on couplait avec Logic, Live, Reason ou n’importe quel autre logiciel, l’évolution veut que le soft et le hard soient parfaitement unifiés et fonctionnent excellemment ensemble. Pour preuve, aucun Mapping n’est requis pour l’APC40/20, chaque bouton et fader est déjà mappé pour Live et la communication entre le logiciel et le matériel est optimisée.

Existant déjà en version 40 (à 430 euros tout de même, ce qui reste dans la gamme de prix de Maschine), la petite sœur, APC 20, arrive donc à un prix plus faible (pas encore annoncé).

Développé pour le live (bien que l’on puisse tout a fait s’en servir en studio pour de la production), ce contrôleur bénéficie de l’ensemble des mises à jour des contrôleurs d’aujourd’hui avec des Pads lumineux qui permettent de mémoriser plus facilement et dans le noir quel son est contrôlé par quel Pad, un châssis-métal et est livré avec une version spécifique de Live : Ableton Live Akai Professional APC Edition (que certains trouvent trop light).

Esthétiquement, comme l’ensemble de la nouvelle gamme Akai, je trouve ce contrôleur sublime, aussi comme l’ensemble des produits Akaï, je trouve son prix élevé mais celui-ci se justifie peut-être par la stabilité qui règne entre le matériel et le logiciel ?!?

1) Tout par ordinateur:
Tu samples sur un logiciel, tu découpes avec ce même logiciel puis tu repositionnes les boucles toujours avec ton logiciel.
Tout se fait sur un ordinateur et aucune machine n’entre en ligne de compte excepté la platine pour le sample, si tant est que tu prennes un son sur un disque…

2) Tout sur MPC:
Méthode qui consiste à enregistrer le son dans la MPC et à le découper avec la machine (Trim/Loop/Zone…) pour ensuite le rejouer avec les pads. Là, tout passe par la MPC.

Me concernant, j’ai commencé par la première méthode pour très vite arriver à la seconde.

Mais depuis peu, je mélange les deux…

C’est à dire que pour un gain de temps évident j’enregistre sur Audiacity par exemple.

Je découpe mon sample, en fait plein de petits morceaux (plus ou moins long) puis j’en fais un programme (.pgm) pour la MPC. Je place ensuite ce programme sur ma carte SD et l’upload sur la MPC.

Le principal intérêt est de gagner du temps sur tout le traitement du sample, gagner de la précision aussi et enfin d’avoir plus de possibilités au niveau des effets tout en gardant le jeu aux pads avec la MPC.

C’est aujourd’hui la façon avec laquelle je me sens le plus à l’aise pour travailler.

Parce que soyons clairs, le plus long dans tout le travail de prod n’est pas de faire une rythmique ou de rejouer un sample, mais bel et bien de trouver LE sample, de le découper correctement et de lui ajouter les effets qui vont bien (si l’on veut).

Et vous comment travaillez-vous vos samples ?

C’est simple, voilà 5 jours que je l’ai et le seul « défaut » qui m’apparait est la complexité des menus qui peut en effet décourager certains au début
Une fois intégrée, ça ne pose plus de problème, c’est juste une question d’habitude. Mais il faut avoir le courage et la patience de le comprendre. (en même temps que se soit sur une 2000XL, une 1000, une 500 ou une 2500 c’est la même chose)

Côté prise en main, elle est très agréable. Avoir commencé sur la MPC 500 m’a aidé dans la compréhension des boutons, le fonctionnement global, le langage etc…

On se sent en confiance, on a envie de se laisser aller, de toucher ces pads et de trouver continuellement de nouveaux samples à découper… C’est un vrai plaisir que d’en jouer et d’apprendre constamment à faire de nouvelles choses avec. Bref quand on commence on ne s’arrête plus!

On a une vraie machine entre les mains et on le sent. L’écran inclinable (plus grand que sur la MPC 500) n’est pas une mince option et les informations qu’il délivre en sont donc plus claires.
La sensibilité des pads est extraordinaire et l’intuitivité surprenante. Une fois les principes de bases assimilés: sampler un son, le découper, l’assigner à un pad, le jouer et enfin sauvegarder le tout, c’est ultra plaisant.

En revanche, c’est une machine qui demande du temps, de la patience aussi, parce que faire un beat correct en quelques minutes est possible, mais ça ne vient pas en deux jours, ça s’apprend. Et puis une fois qu’on à mis la main dessus, on à tout simplement plus envie de l’enlever…

Je me suis donc laissé tenter…

J’en ai trouvé une ce week-end d’occasion. Je suis comme un fou ! Un gamin devant son cadeau de noël (ha oui, parce que c’est mon cadeau de noël…)

Et puis, il y a un truc quand même, c’est que bien que cette machine date des années 2000, elle a un look un peu vintage qui me plait tout particulièrement.

Alors au premier abord (je n’ai pas encore eu l’occasion de bosser dessus plus que ça), les pads sont nettement plus gros que sur la MPC 500, ils me paraissent aussi plus sensibles à la vélocité et d’une manière générale, la MPC 2000 xl est clairement du matériel de professionnels quand la 500 est une MPC d’appoint ou de scène.

Les deux seuls points qui peuvent éventuellement pécher sur la MPC 2000 xl sont ses 32 Mo de mémoire vive et le fait qu’il n’y ai pas de port USB pour la relier directement à un ordinateur.

Mais comme à la place du lecteur de zip, j’ai un lecteur multicartes qui lit 4 types de cartes (SD, CF etc…) le port USB est donc anecdotique. Concernant les 32 Mo de mémoire, c’est vrai que cela peut sembler léger au regard de ce qui se fait aujourd’hui. Bon, si c’est un peu lent de temps en temps, tant pis…

Alors oui, il y a des machines surment plus « nouvelle génération » aujourd’hui, mais ce n’est pas ça qui m’importe.

C’est une superbe machine, solide, qui se trouve autour de 500 euros d’occasion et franchement, entre une MPC 1000 bleu (avec plus de mémoire et un port usb) dont les pads déconnent et une MPC 2000 xl, il n’y a pas photo. Je suis bien content d’avoir opté pour la 2000 xl !

Bon maintenant, il faut s’y mettre. Parce qu’autant je connais bien les menus de la MPC 500, autant ceux de la 2000… ça à l’air d’être coton…

Heureusement j’ai la notice en français

Je vous donnerais un avis plus poussé dès que j’aurais eu l’occasion de m’en servir vraiment, mais je suis bien content de ma nouvelle acquisition…

Les deux facteurs principaux qui rentrent en ligne de compte sont : La place et le fait de savoir ou non jouer du clavier.

Un 25 touches, donc 2 octaves, sera parfait pour compléter d’autres claviers (peut-être plus complets) ou pour une première acquisition afin de faire quelques rythmiques et mélodies. Mais impossible de jouer des morceaux de piano à deux mains par exemple, pas assez d’octaves…

Pour commencer à jouer de vraies mélodies, le 49 touches est une bonne alternative. Suffisamment d’octaves (4) et pas trop encombrant. Laissant bien sur toujours la possibilité de créer des rythmiques qui ne néssécitent généralement que quelques touches.

Viennent ensuite les 61 touches et le 88, plus orientés pour les gens qui savent jouer du piano dont les mains se baladent sur les touches et qui veulent composer.

N’oublions pas qu’un clavier maître n’a pas uniquement pour objectif de servir de piano, mais permet aussi de contrôler une batterie virtuelle pour faire un beat, faire des nappes ou encore rejouer un sample comme nous l’avons vu ici. Et pour ça, pas besoin de 61 touches…

Comme toujours, se poser la question de pourquoi on a besoin de la machine et la choisir en conséquence et non l’inverse…

Bref, l’idée de ce billet est de vous expliquer comment faire pour se servir de l’ESX24.

Vous ouvrez un nouveau projet (vide par exemple), vous créez une piste Audio (stéréo tant qu’à faire ) puis vous y glisser le son au format WAV/AIFF que vous souhaitez découper.

Ensuite, vous allez découper votre son aux endroits souhaités à l’aide de la touche #@ (première touche du clavier en partant du haut à gauche deuxième ligne, juste en dessous d’escape…) cela implique que vous ayez sélectionnez la piste évidemment.

Une fois cela fait, créez une nouvelle piste Instrument Logiciel celle-ci. Dans la barre de réglages d’effets de la piste (barre verticale à gauche des pistes par défaut) vous allez cliquer au-dessus de « Out 1-2 » dans la case vide (c’est la seule) et sélectionnez ESX24.
Voici ce qui apparaît normalement.

Vous allez cliquer dans Edit en haut à droite (à côté de Options) apparaît alors une seconde fenêtre avec un clavier en bas. N’ayez crainte, tout est normal.

Vous allez cliquer sur Zone petit onglet en haut entre Edito et Groupe puis choisir nouvelle zone.
Enfin, vous aller sélectionner vos sons découpés précédemment et les tirer dans l’espace « zone ».

Ils vont se matérialiser par des petits rectangle au dessus des touches du clavier (rappelons que C1 est un octave supplémentaire en grave et que C-1 un octave supplémentaire en aigue).
Ne vous reste plus qu’ à allumer votre clavier maître, retrouver les sons sur les touches et les rejouer à votre convenance sur la piste de l’ESX24.

Après, à vous de jouer avec les effets et de le déformer si cela vous en chante…

Voilà, vous savez maintenant sampler un son sous Logic et le rejouer !

Easy non ?

Logic Studio 9 c’est 9 CD et pas loin de 3 heures d’installation… Mais attention!
Pour l’instant je n’ai fait qu’ouvrir la fenêtre, histoire de voir…
C’est la même présentation que Logic Express, en revanche il y a des banques de sons de dingues et des plugins de fous dont Flexible Audio, des effets en veux-tu en voilà, Main Stage 2, Soundtrack Pro 3 etc… Ça donne envie!
Je suis un vrai gamin devant !

En l’ouvrant, l’ensemble de mes projets en cours sur Logic Express ont automatiquement migré sur Logic Pro. Je regarde tout ça de plus près et vous tiens au courant.

PS: Demain, un petit tips pour les détenteurs de Logic qui aiment sampler…

Avez-vous déjà eu ce problème ?

Que se soit une MPC 5000, 1000, 25000 ou 5000, le principe de la MPC reste le même.

L’idée est de réunir au sein d’une même machine un sampleur et un séquenceur.

En d’autres termes d’offrir la possibilité de sampler, de découper et de rejouer ce que l’on vient de découper, tout ça en une seule et même machine.

Pour la petit histoire, MPC signifie Music Production Center et fut créée par Roger Linn (en collaboration avec akai Pro) en 1984 me semble t-il, c’était la MPC 60.

La MPC est une boîte à rythme vide de sons. Il faut donc rentrer les sons que l’on souhaite dedans: une boucle, un kick, une voix…

Une fois le son dans la machine (une fois le son samplé) on va pouvoir le découper (le séquencer), lui apporter des effets et assigner chacun des sons découpés sur les fameux pads de la MPC. Ainsi lorsque l’on va « frapper » un pad on va rejouer le son que l’on lui aura assigné et donc jouer ou rejouer à sa façon une mélodie ou une rythmique.

Assigner plusieurs sons sur l’ensemble des Pads et l’enregistrer est un Programme.

La MPC a un fonctionnement basé sur des séquences (boucle de 2,4,6,8,16 temps), composées de tracks. À chaque track on assigne un programme (créé préalablement avec les sons que l’on a rentrés dans la MPC).

Par exemple, Séquence 1 : Intro: Track 1 de la séquence 1 =  Sample, Track 2 de la séquence 1 = kit de batterie etc…

Et l’on va ainsi pouvoir créer plusieurs séquences constituées de plusieurs tracks, qui misent bout à bout constitueront une Song.

Une fois cette Song créée, soit on l’exporte, soit on l’enregistre en directe.

Voilà comment fonctionne la MPC dans le grandes lignes. La MPC est un instrument de musique complet que je trouve absolument génial mais qui nécessite il est vrai un minimum de temps passé dessus et plusieurs lectures du manuel pour en comprendre le fonctionnement intégral.

En pratique, c’est un peu plus compliqué.

En fait, tout est samplable. Que se soit un bout de morceau plus ou moins long, juste un instrument ou une rythmique de hit hat, une grosse caisse ou que sais-je.

Il est plus difficile de sampler des instruments à vent comme la flûte par exemple que des instruments qui possèdent déjà une certaine « rythmique » comme les percussions ou les batteries.

Mais il n’y a pas de règle propre au sampling qui dit que seuls les débuts ou les fins de morceaux doivent être samplés et des morceaux sans paroles. Et qu’importe le style, bossa nova, rock, soul, pop, tout s’échantillonne et se découpe, c’est d’ailleurs ça qui est génial. Après c’est ce que l’on en fait qui est intéressant (bien sur si le sample est mal découpé c’est mal partis…)

Maintenant, où trouver ses samples ? Et bien dans les disques ! Et surtout ne pas sampler du MP3 ! Malheur !

Ça peut sembler évident, mais le son samplé doit avoir une qualité top.

Donc la seule chose à faire pour trouver des samples, c’est écouter, écouter et encore écouter des disques.

Il y a quelque chose d’envoûtant. Plus tu fais, mieux tu sais faire et plus tu sais faire, plus tu as envie d’aller au-delà de ce que tu fais. C’est un cercle vertueux absolument génial.

À chaque fois que j’allume ma machine aussi petite soit-elle (je dois reconnaitre mon penchant pour ma petit MPC…), je ne sais pas où cela va m’emmener mais c’est à chaque fois différent.

Il y a c’est vrai quelque chose d’intuitif avec les MPC ( une fois que la méthode est rentrée ) qui donne envie de faire des choses. Je trouve de plus en plus de plaisir à faire des sons et ça c’est fabuleux !

Puis il y a cet éternel recherche de disques qui alimente mon appétit de découvrir de nouveaux sons et peut être de nouveaux samples que j’espère personne n’aura déjà samplé (…) Un rêve, mais j’adore dénicher de vieux disques.

Voilà, juste un petit billet à ce sujet, celui de prendre du plaisir à faire des sons, sampler découper, rajouter, pianoter, cliquer et… écouter…